Das Nationale Kunstmuseum Rumäniens hat seinen Sitz im ehemaligen Königspalast im Zentrum von Bukarest. Die Könige wohnten hier bis Ende 1947, ein Jahr später wurde der Palast zum Kunstmuseum. Im Dezember 1989 geriet das Gebäude unter Beschuss, und an seiner Fassade sind die Einschusslöcher bis heute zu sehen.
Auch die Werke im Inneren sind auf sehr verschiedenen Wegen in den Palast gelangt. Manche wurden von Kirchenwänden abgenommen, andere kaufte ein König, wieder andere kamen durch ein Testament ins Haus oder wurden nach einem Erdbeben oder einer Revolution gerettet. Wir haben diese fünfzehn ausgewählt, weil sich bei jedem der Moment verfolgen lässt, in dem sich sein Schicksal wendete.
Wir beginnen mit einem Epitaphios von 1437 und enden mit einer Ikonostase, die 1977 nach einem Erdbeben aus einer Klosterkirche geholt wurde.
01. Aus der Kirche ins Museum
1. Epitaphios des Abtes Siluan, Kloster Neamț, 1437
Am Karfreitag tragen orthodoxe Christen den Epitaphios aus dem Altarraum, ein Tuch mit dem Bild des im Grab liegenden Christus, und legen ihn auf einen Tisch in der Mitte der Kirche. Diesen Epitaphios schenkte Abt Siluan 1437 seinem moldauischen Kloster Neamț. Der Name des Stifters ist in die Inschrift eingestickt, die rings um die ganze Borte läuft. Auf dem Museumsschild heißt er Silvan, in der Fachliteratur hat sich der Name Siluan durchgesetzt.
Gestickt haben ihn die Mönche von Neamț in der Werkstatt des Klosters selbst. Sie wiederholten einen Epitaphios, den der moldauische Metropolit Macarie 1428 in Auftrag gegeben hatte und der höchstwahrscheinlich in Konstantinopel gestickt worden war. 1686 nahmen Soldaten des polnischen Königs Jan Sobieski dieses ältere Tuch mit nach Polen, wo es in einem Museum in Lwiw aufbewahrt wurde, bis es im Zweiten Weltkrieg verschwand. Der Epitaphios des Siluan ist bis heute der früheste erhaltene datierte Epitaphios aus der Moldau.
Christus liegt über die ganze Breite des Tuchs auf einer roten Platte, dem sogenannten Stein von Ephesus, mit geschlossenen Augen und gekreuzten Armen. Am Kopfende beugt sich die Gottesmutter tief zu ihm herab, ihr Gesicht berührt fast das seine. Zu seinen Füßen steht eine Frau, die beide Hände zum Kopf hebt: Es ist Maria Magdalena, die sich die Haare rauft. Üblicherweise war an dieser Stelle der Apostel Johannes dargestellt, die Werkstatt von Neamț dagegen setzte eine der Myrrhenträgerinnen dorthin. Über dem Leichnam halten zwei Engel Rhipidien, liturgische Fächer in Sternform an einem Stab, drei weitere Engel neigen sich unten, und der mittlere stützt die Wange in die Hand. Die Hauptkonturen sind mit kleinen Perlen nachgezogen, über den dunklen Grund sind Rosetten mit Kreuzen verstreut, und in den Ecken sind die Symbole der vier Evangelisten gestickt.
Der Epitaphios ist länger, als ein Mensch groß ist, weil Christus darauf in ganzer Gestalt gestickt ist und man das Tuch vollständig auf dem Tisch ausbreitete. Dokumente darüber, wie er aus Neamț nach Bukarest gebracht wurde, haben die Forscher nicht gefunden. 2024 entdeckten Chemiker, die seine Farbstoffe untersuchten, in den roten Fäden Karminsäure. Die amerikanische Cochenille kam erst nach 1437 nach Europa, also stammt das Rot von armenischer oder polnischer Cochenille.
2. Kaftan, Walachei, italienischer Samt, um 1480–1490
Um 1490 gründeten die Brüder Craiovești, Bojaren aus Oltenien, dem westlichen Teil der Walachei, das Kloster Bistrița und schenkten ihm einen kostbaren Kaftan. Ein solches Gewand kostete nach Angaben des Museums so viel wie ein Landgut von mehreren Dutzend Hektar. Der Adel gab damals häufig seine Festkleidung an die Kirche, die daraus liturgische Gewänder und Kirchendecken nähen ließ. Auch dieser Kaftan wurde aufgetrennt und aus den Stücken eine Grabdecke genäht, und in den Inventaren des Museums stand er als Grabtuch. Bei der Untersuchung sahen Restauratoren, dass die Stücke für einen Kaftan zugeschnitten waren, und das Museum stellte ihn als Kleidungsstück wieder her.
Der Stoff wurde in Italien gewebt, vielleicht in Mailand. Über dunkel himbeerroten Samt ziehen sich große goldene Medaillons in Rahmen aus wolkenartigen Bögen, und das Muster ist zusammen mit dem Samt gewebt, sodass die goldenen Schlingen reliefartig über dem Flor stehen. Die Brust schließen sieben grüne Querbänder, und jedes wird von einem Büschel kleiner vergoldeter Knöpfe gehalten. An den Ärmeln und an den Seiten schneiden die Nähte die Medaillons in zwei Hälften, weil der Stoff nach der Figur zugeschnitten wurde.
3. Prinzessin Roxanda — Dobromir von Târgoviște, vor 1526
Von einer großen Stifterdarstellung ist nur Roxanda geblieben. Sie hält ein weißes Kirchenmodell, und der ausgerissene linke Rand des Freskos läuft mitten durch das Gebäude: Ihr Mann Radu, der das Modell von der anderen Seite hielt, ist mit diesem Stück Wand verloren. Sie trägt eine hohe goldene Krone mit Rubinen, Saphiren und Perlen, von der lange Gehänge an den Wangen herabfallen, ein rotes, fein gefälteltes Kleid und einen Mantel aus Goldbrokat mit schwarzem Muster.
Roxanda war die Tochter des walachischen Fürsten Neagoe Basarab, der die Kirche des Klosters Curtea de Argeș erbaut hatte. Die Ausmalung, unter ihrem Vater begonnen, wurde 1526 unter ihrem Mann, Fürst Radu von Afumați, vollendet, und der Maler Dobromir von Târgoviște stellte das Paar gemeinsam an der Westwand dar, als Stifter, die das Modell ihrer Kirche halten.
Der abgerissene Rand ist kein Zufall. Die rumänischen Behörden hatten den französischen Architekten André Lecomte du Noüy eingeladen, die Kirche zu restaurieren, und die Arbeiten dauerten von 1875 bis 1886. Die Behörden wollten die alte Ausmalung durch neue Ölmalerei ersetzen, und 1882 ließ Lecomte du Noüy 35 Freskenfragmente, die schon vom Kerzenruß geschwärzt waren, von den Wänden abnehmen. Erhalten blieb, je nach Schätzung, ein Zwanzigstel bis ein Zehntel der ursprünglichen Ausmalung. Die Fragmente kamen ins Altertumsmuseum in Bukarest, und die meisten von ihnen gelangten später ins Kunstmuseum.
Ab 1888 warfen junge rumänische Architekten, unter ihnen Ion Mincu, Lecomte du Noüy vor, das nationale Erbe zerstört zu haben. Eine offizielle Untersuchung bestrafte niemanden, dennoch war der Streit einer der Gründe, weshalb Rumänien 1892 eine Kommission für historische Denkmäler schuf. Von den 35 Fragmenten befinden sich 29 im Nationalen Kunstmuseum, zwei im Nationalen Geschichtsmuseum Rumäniens und vier beim Erzbistum Argeș.
4. Selbstbildnis — Pârvu Mutu, Freskofragment aus der Kirche von Bordești, 1699
1699 arbeitete Pârvu Mutu an der Ausmalung der Kirche der Einsiedelei Bordești, nahe der damaligen Grenze zwischen der Walachei und der Moldau, und malte sich dabei selbst an ihre Wand. Erbaut hatte die Kirche der Bojar Mănăilă, ein Offizier des Fürsten Constantin Brâncoveanu aus dem Kreis der Familie Cantacuzino, und Mutu war der Lieblingsmaler der Cantacuzino. Er steht in einem langen lila-rosa Kaftan mit kleinen Knöpfen und in einem olivgrünen Mantel, in der erhobenen rechten Hand hält er einen Pinsel, in der linken, auf Gürtelhöhe, ein kleines rundes Farbgefäß, das in den Beschreibungen Muschel genannt wird. Hinter seiner Schulter steht sein Schüler Radu in einem schlichten blaugrauen Gewand und drückt eine helle, spitze Kelle an die Brust, mit der man den Putz glättete.
Mutu ist als Laie gekleidet, in Bojarentracht. In der postbyzantinischen Tradition blieben Kirchenmaler lange namenlos, und solche Selbstbildnisse tauchen Ende des 17. Jahrhunderts auf, als die Zünfte erstarkt waren und ein Meister durch sein Handwerk gesellschaftliches Ansehen gewinnen konnte. Selbstbildnisse von Mutu gibt es auch in anderen Kirchen, dieses gilt jedoch als das gelungenste.
Über den Kaftan, den ockerfarbenen Grund und das Gewand des Schülers ziehen sich eingeritzte Buchstaben und Zeichen. Nach 1911 stand die Kirche verlassen und offen, und Besucher ritzten in die Wände. Mitte des 20. Jahrhunderts nahm ein vom Kulturministerium entsandter Trupp das Selbstbildnis zusammen mit dem Fresko der Entschlafung der Gottesmutter aus derselben Kirche von der Wand, und beide Fresken kamen ins Museum. Mutu malte auch die Stifterbildnisse in der Kirche des Klosters Cotroceni, auf die wir am Ende zurückkommen.
Später wurde Mutu Mönch und nahm den Namen Pafnutie an, und 2017 sprach ihn die Rumänische Orthodoxe Kirche heilig.
02. Die königliche Galerie
Die ersten vier Werke kamen aus Kirchen und Klöstern hierher. Ende des 19. Jahrhunderts erhielt die Sammlung eine ganz andere Quelle, als Carol I. begann, für seinen Palast alte europäische Meister zu kaufen.
5. Venus und Amor — Lucas Cranach der Ältere oder ein Nachfolger, 1520er-Jahre
Bis zum Ende des 20. Jahrhunderts sah diese Venus anders aus. Jemand hatte ihr eine dichte dunkelblaue Draperie übergemalt, die Schulter, Taille und Hüfte bedeckte. In der Farbe fand man Berliner Blau, das man erst um 1710 herzustellen begann, deshalb konnte diese Hülle nicht zum ursprünglichen Bild gehören. Verhüllt erschien Venus sogar auf einer rumänischen Briefmarke von 1967. Zwischen 1995 und 1999 entfernte der Restaurator des Museums Ioan Sfrijan die Draperie.
Nun steht Venus wieder nackt vor einem dunkelroten Samtvorhang, barhäuptig, mit einer Halskette mit kleinem Kreuz und einer schweren goldenen Kette. Den durchsichtigen Schleier, den sie vor dem Bauch hält, hat der Maler nur mit feinen weißen Linien angedeutet. Amor, der ihr bis an den Oberschenkel reicht, hält einen hohen roten Bogen und stemmt den Fuß gegen dessen unteres Ende, wie man es beim Spannen der Sehne tut, die rechte Hand führt er hinter den Rücken. In dieser Hand liegt ein Pfeil, dessen Befiederung am linken Rand der Tafel zu sehen ist, und Venus sieht diesen Pfeil nicht.
Gekauft hat das Bild Carol I., ein deutscher Prinz aus dem Haus Hohenzollern, der Fürst und später König von Rumänien wurde. 1879 erwarb er es von dem deutschen Konsul und Sammler Felix Bamberg, als Teil der ersten Gruppe von Gemälden für eine Galerie, die er für ein Land zusammentrug, das noch keine eigenen Sammlungen alter Meister besaß. In seinem Testament vermachte er die Galerie, mehr als zweihundert Gemälde, der Krone Rumäniens, und der rumänische Staat vertritt die Auffassung, mit der Krone sei er selbst gemeint. 1948 wurden die königlichen Sammlungen verstaatlicht und dem neuen Museum übergeben.
Das Museum hält das Bild für ein Werk Lucas Cranachs des Älteren von 1520. Das Cranach Digital Archive schreibt es einem Nachfolger des Meisters zu und hält das Cranach-Zeichen, die flügellose Schlange auf dem Stein unten links, wahrscheinlich nicht für echt.
6. Haman vor Esther — Rembrandt und Werkstatt, um 1635 und 1660er-Jahre
Nach dem biblischen Buch Esther erwirkte der königliche Ratgeber Haman einen Erlass zur Vernichtung der Juden, Königin Esther, selbst Jüdin, deckte das vor dem König auf, und Haman warf sich ihr zu Füßen und flehte um Gnade. Esther sitzt links in einer hohen Perlenkrone und einem goldgelben Kleid, das in dicken, zerrissenen Pinselstrichen gemalt ist, und blickt nach unten, an Haman vorbei. Haman kniet rechts unten in Rot, den Kopf über die gefalteten Hände gesenkt. Der König im Turban beugt sich aus dem Schatten hinter Esther vor und sieht Haman an, und nur sein goldenes Zepter, über den dunklen Tisch ausgestreckt, verbindet die drei.
Dieses Bild hat eine wichtige Eigenheit, denn es besteht im Grunde aus zwei Malschichten verschiedener Jahrzehnte. Der Streit um seine Urheberschaft dauert seit den 1960er-Jahren an. Röntgenaufnahmen zeigten unter der heutigen Oberfläche eine frühere Schicht von etwa 1635, in der die Komposition schon angelegt war, das Gesicht Esthers allerdings weiter rechts saß. In den 1660er-Jahren wurde das Bild fast vollständig übermalt, wahrscheinlich in Rembrandts Werkstatt. Deshalb beschriftet das Museum es mit „Rembrandt und Werkstatt“, und auch das RKD, das niederländische Institut für Kunstgeschichte, hält eine Beteiligung Rembrandts selbst für möglich.
Spätestens 1898 gehörte das Bild Carol, denn in diesem Jahr schickte man es aus Sinaia, wo seine Sommerresidenz Schloss Peleș steht, zur Rembrandt-Ausstellung nach Amsterdam.
Nach dem Dezember 1989 kam der Direktor des Amsterdamer Rijksmuseums, Henk van Os, nach Bukarest und nahm zwei durchschossene Tafeln des 16. Jahrhunderts zur Restaurierung in die Niederlande mit, und zusammen mit ihnen auch diese Leinwand, die unter den beschossenen Werken nicht verzeichnet ist. Restauriert wurde sie 1990 und 1991 im Rijksmuseum und in der Restaurierungswerkstatt SRAL in Maastricht.
7. Die Anbetung der Hirten — El Greco, 1596–1600
Der einzige Auftrag, den El Greco in Madrid erhielt, war der Hochaltar für die Kirche eines Priesterseminars, das nach seiner Gründerin, einer Hofdame der Königin, als Colegio de Doña María de Aragón bekannt ist. Der Vertrag wurde 1596 unterzeichnet, Doña María starb vor Abschluss der Arbeit, der Auftrag ging an den Kastilienrat über, und 1600 wurde der Altar aufgestellt. Nach der anerkannten Rekonstruktion hatte er zwei Geschosse mit je drei Bildern, und die „Anbetung der Hirten“ stand im unteren Geschoss links. Deshalb ist die Leinwand fast doppelt so hoch wie ein Mensch und so schmal wie ein Feld des Altars.
In der unteren Hälfte herrscht Nacht, und das Licht geht vom Kind aus, das auf einem weißen Linnen liegt, sodass die Gesichter ringsum von unten beleuchtet sind. Maria im karminroten Kleid, einen weißen Schleier über dem Kopf, schlägt mit beiden Händen das Linnen zurück, um das Kind den Hirten zu zeigen. Vor ihr liegt ein weißes Lamm mit gebundenen Beinen, Zeichen des künftigen Opfers, und im Vordergrund kniet ein Hirte in giftgrüner Jacke, halb von uns abgewandt, dessen nackte, schmutzige Fußsohle ganz am Bildrand zu sehen ist. Oben halten zwei große Engel ein Band mit den Worten „Ehre sei Gott in der Höhe“, und zwischen ihnen purzeln nackte Putten.
Als das Kolleg unter Joseph Bonaparte 1808 und 1809 geschlossen wurde, baute man den Altar ab. Im 19. Jahrhundert ging das Bild durch die Spanische Galerie Louis-Philippes in Paris, danach durch eine Londoner Versteigerung und mehrere Privatsammlungen, bis es zu Felix Bamberg kam, von dem Carol I. es kaufte. Die übrigen fünf Leinwände des Altars befinden sich im Prado, und im Jahr 2000 vereinte der Prado alle sechs, wofür er das Bukarester Bild als Leihgabe erhielt.
Carol I. besaß mehrere Gemälde El Grecos, und drei davon sind in Bukarest geblieben: dieses, die „Vermählung Mariä“ und der „Heilige Mauritius“. Um das Schicksal der einstigen königlichen Sammlung wird bis heute gestritten. 2025 zog Christie’s einen anderen El Greco aus dieser Sammlung von einer Auktion zurück, nachdem die rumänische Regierung Ansprüche angemeldet hatte.
03. Rumänische Künstler
Carol sammelte für Bukarest alte europäische Meister. Zur selben Zeit malten rumänische Künstler die Revolution, das moderne Stadtleben, die Landschaft und Menschen, die in der nationalen Malerei bis dahin kaum vorgekommen waren.
8. Das revolutionäre Rumänien — Constantin Daniel Rosenthal, 1850
Als die Türken im September 1848 die Revolution in der Walachei niederschlugen und ihre Anführer verhafteten, verkleidete sich Maria Rosetti, die Frau eines von ihnen, des Publizisten Constantin A. Rosetti, als Bäuerin, um den Gefangenen nachzureisen und ihre Freilassung zu erwirken. Geboren als Mary Grant auf der Insel Guernsey, war sie die Tochter eines Schotten und einer Französin. 1850 wurde sie in Paris, wo sich die Exilanten gesammelt hatten, von Constantin Daniel Rosenthal gemalt, einem Freund Rosettis aus den gemeinsamen Wiener Studienjahren. Rosenthal, ein in Pest geborener Jude, hatte 1848 für seine Teilnahme an der Revolution die walachische Staatsbürgerschaft erhalten.
Die Leinwand ist oval, und die junge Frau füllt sie fast ganz aus. Sie trägt eine weiße Bauernbluse aus der Gegend von Muscel mit Reihen roter Muster und Pailletten an den Ärmeln und eine mehrreihige Kette aus Goldmünzen. Den Kopf hat sie scharf nach rechts gewandt, und sie blickt nach oben, über den Bildrand hinaus. Mit der zur Faust geballten Hand drückt sie eine Fahnenstange an die Schulter, deren gesplittertes, abgebrochenes Ende unten links hervorragt. Die blauen, gelben und roten Bahnen der Fahne liegen zerknittert und gerafft an ihrer Schulter. In der anderen Hand hält sie einen Dolch mit der Spitze nach unten, und rechts in der Ferne kämpfen Reiter im Rauch.
Anfang Juli 1851 reiste Rosenthal mit Agitationsschriften Rosettis nach Siebenbürgen. Die französischen Behörden fingen seine Briefe ab und warnten Wien, und in Pest wurde er verhaftet. In der Nacht vom 22. auf den 23. Juli starb er im Gefängnis. Die österreichischen Behörden gaben bekannt, er habe sich in seiner Zelle erhängt, in Rumänien hält sich dagegen die Überlieferung, er sei bei den Verhören zu Tode gefoltert worden, weil er seine Gefährten nicht verriet.
C. A. Rosetti behielt das Bild bei sich und starb am 8. April 1885. In seinem Testament schrieb er, zu Lebzeiten habe er nicht die Kraft gehabt, sich von diesen „Ikonen“ zu trennen, und trug seiner Frau und seinen Söhnen auf, beide historischen Gemälde Rosenthals im Namen des Malers dem Nationalmuseum zu übergeben, wie dieser es gewünscht hatte: dieses und „Rumänien sprengt seine Fesseln auf dem Feld der Freiheit“.
9. Jude mit Gans — Nicolae Grigorescu, 1880
Die rumänische Verfassung von 1866 erlaubte die Einbürgerung nur Christen. Der Berliner Kongress von 1878 machte die Anerkennung der rumänischen Unabhängigkeit davon abhängig, dass diese Bedingung fiel, und im Oktober 1879 wurde der Artikel geändert. Das religiöse Verbot war damit aufgehoben, die Staatsbürgerschaft wurde jedoch weiterhin einzeln verliehen. Jeder Antragsteller reichte ein Gesuch ein, und das Parlament stimmte über jeden gesondert ab.
Im Frühjahr 1880 stellte Nicolae Grigorescu, der damals in Frankreich lebte, dieses Bild im Pariser Salon aus. Später nannte der Maler es selbst „Ein rumänischer Staatsbürger in spe“. Ein Mann mit runder Pelzmütze und dunklem Bart lacht den Betrachter über das ganze Gesicht an. Unter dem rechten Arm hält er eine lebende weiße Gans, die Finger tief ins Gefieder gegraben, und mit der linken Hand zieht er ein gefaltetes Papier mit einer Stempelmarke in der Ecke unter dem Mantel hervor. Der Schriftsteller Alexandru Vlahuță, Verfasser eines Buches über Grigorescu, las darauf die ersten Worte des Gesuchs, „Herr Präsident, meine Herren Abgeordneten …“.
1887 veranstaltete Grigorescu in Bukarest, im Eforie-Palast, eine große Ausstellung, und dieses Bild erzielte dort den höchsten Preis. Gekauft hat es für 8000 Lei Gheorghe Grigore Cantacuzino, den man seines Reichtums wegen den Nabob nannte.
Gestritten wird darüber, über wen Grigorescu hier lacht. Vlahuță beschrieb die Figur offen antisemitisch und sah in der Gans ein Geschenk für einen Beamten. Spätere Forscher verlegen das Ziel der Satire zunehmend auf das Einbürgerungsverfahren selbst: Der Staat hatte das religiöse Verbot aufgehoben, ließ das Parlament aber weiterhin über die Staatsbürgerschaft jedes Einzelnen gesondert abstimmen. In dieser Lesart wird die Gans Teil eines Witzes über das System.
10. Die Tochter des Försters — Nicolae Tonitza, um 1925
Das Mädchen auf dem Bild hat fast kein Weiß in den Augen: Zwei dunkle, beinahe schwarze Scheiben, weit auseinanderstehend, blicken den Betrachter direkt an und spiegeln nichts. Der Blick scheint nach innen gerichtet, und an solchen Augen erkennt man die Kinderbildnisse von Nicolae Tonitza sofort. Sie trägt eine weiße Haube und ein leuchtend rotes Kleid mit gebauschten Schultern und einem breiten weißen Rüschenkragen, und ihre dunkelkastanienbraunen Locken fallen fast bis zur Taille. Den ganzen Hintergrund füllt dunkles blaugrünes Laub, in langen, spitzen Strichen über ein grelles gelbes Licht gemalt. Rot und Grün verbindet Tonitza durch Ocker, Weiß und Braun.
Der Name des Modells ist nicht überliefert. 1924 stellte Tonitza auf der Biennale von Venedig aus, und 1926 eröffnete er gemeinsam mit den Malern Francisc Șirato und Ștefan Dimitrescu und dem Bildhauer Oscar Han die erste Ausstellung der „Gruppe der Vier“. In der rumänischen Kritik blieb ihm der Beiname „Maler der Kinder“.
Es ist wahrscheinlich das am häufigsten reproduzierte rumänische Gemälde des 20. Jahrhunderts, und das Museum selbst zählt es zu seinen Hauptwerken. 2023 stufte der Staat es als „Tezaur“ ein, in die höchste Kategorie des nationalen Kulturerbes.
11. Die Chimäre der Erde — Dimitrie Paciurea, 1927–1928
Die „Chimäre der Erde“ hat auf einem Tisch Platz. Ein Frauenkopf ist nach oben zurückgeworfen, das glatte Gesicht mit den schweren gesenkten Lidern gleicht einer Maske, und der lange, dicke Hals nimmt fast die Hälfte der Figur ein. Vorn steht der Körper auf kurzen Löwentatzen, hinten scheint er in einen steinernen Buckel einzusinken und mit ihm zu verwachsen. Unter ihm kommt ein dünner Schlangenschwanz hervor und windet sich um den Sockel. Die Bronze ist dunkel, Gesicht, Stirn und Hals sind blank poliert, das Haar am Hinterkopf ist rau belassen.
Sie gehört zu den Chimären, die Dimitrie Paciurea in der zweiten Hälfte der 1920er-Jahre schuf. Für die „Chimäre der Luft“, eine lebensgroße Figur, erhielt er 1927 den Nationalpreis für Bildhauerei. Seit 1909 lehrte Paciurea Bildhauerei an der Bukarester Schule der Schönen Künste, zu seinen Schülern gehörten Cornel Medrea, Ion Jalea und Oscar Han, und er arbeitete in einem Atelier im Hof des Museums des Malers Theodor Aman, dessen Kustos er war. Das Publikum stand ratlos vor den Chimären, denn der Symbolismus des 19. Jahrhunderts wich damals bereits der radikalen Avantgarde.
Über den Weg dieser Bronze ins Museum weiß man wenig. Auf dem Schild steht „Herkunft: Ankauf“, und wann sie gegossen wurde, ist nicht veröffentlicht. Die „Chimäre der Luft“ desselben Museums wurde 1967 gegossen, 35 Jahre nach dem Tod des Bildhauers.
Paciurea starb am 14. Juli 1932 an Krebs. Die Bukarester Zeitung „Dimineața“ schrieb, er sei arm gestorben, und das Geld für die Beerdigung sammelten seine Freunde.
12. Das Gebet — Constantin Brâncuși, 1907
In dem Vertrag, den Constantin Brâncuși am 18. April 1907 in Paris unterschrieb, war eine weinende Frau bestellt. Die Auftraggeberin, Eliza Stănescu aus der Stadt Buzău, war im Oktober 1905 Witwe geworden, etwa fünf Monate nach der Hochzeit, als ihr Mann starb, der Anwalt und Abgeordnete Petre Stănescu. Für sein Grab bestellte sie einen steinernen Sockel, eine allegorische Figur und eine Büste des Verstorbenen für 7500 Lei. Brâncuși war 31 und hatte im Frühjahr desselben Jahres Rodins Atelier verlassen, nachdem er dort etwa einen Monat gearbeitet hatte.
Zuerst machte er, was verlangt war, eine verhüllte Frau, die sich in ihrer Trauer mit offenem Haar an das Grabmal schmiegt, und diese Figur kennt man von einer Fotografie. Dann zerstörte er sie und begann von vorn. In der 1910 gegossenen Bronze ist die Frau nackt und kniet, der ganze Körper neigt sich von den Knien an in einer einzigen langen Diagonale nach vorn, der Kopf ist tief auf die Brust gesenkt. Der rechte Arm ist angewinkelt, die Faust an die Brust gedrückt, und den linken hat Brâncuși selbst oberhalb des Ellbogens abgetrennt, nach dem Vorbild Rodins. Die Oberfläche hat er noch nicht poliert, wie er es später tun sollte, und auf der dunklen Bronze sind Spuren des Modellierens geblieben, in denen sich das Licht in kleine Glanzpunkte bricht.
1910 wurde „Das Gebet“ im Salon des Indépendants in Paris gezeigt, und 1914 kam Brâncuși selbst nach Buzău, meißelte an Ort und Stelle den Sockel aus Stein und stellte das Denkmal auf dem Friedhof Dumbrava auf. Der Maler Ștefan Popescu, der der Witwe geraten hatte, sich an Brâncuși zu wenden, schrieb, bei der Abnahme habe es einen Skandal gegeben, das Denkmal sei aber trotzdem aufgestellt worden.
Das Museum kaufte „Das Gebet“ 1958 für 70.000 Lei von der Familie Stănescu, ein Jahr nachdem der Staat ein anderes Werk Brâncușis, die „Weisheit der Erde“, beschlagnahmt hatte. Auf das Grab kam eine Kopie, und auch die Büste Petre Stănescus befindet sich im Museum. Die Kopie wurde 1996 gestohlen, 1998 wiedergefunden und 2005 erneut gestohlen. Seit Juni 2014 steht auf dem Grab eine neue Bronzekopie, gegossen nach einer Form, die vom Original im Museum abgenommen wurde, und bezahlt haben sie der Rotary Club Buzău und private Spender.
13. Felsen und Birken — Ion Andreescu, undatiert
Die obere Hälfte der Leinwand nimmt ein gleichmäßiger blassblauer Himmel ohne eine einzige Wolke ein, mit trockenem Pinsel gemalt, sodass die Farbe an der Struktur des Gewebes hängen bleibt. Rechts steht eine Gruppe Birken, jeder Stamm mit einem einzigen dicken weißen Strich gesetzt und dunkel gesprenkelt wie Rinde, und ein dünner Stamm fällt schräg zur Bildmitte hin. Dort ragt ein schmaler dunkler Wacholder auf, links steht ein Baum mit spärlichem rostrotem Laub, und im Vordergrund liegen zwischen rostrotem Farn zwei große Findlinge, grauweiß, mit lila und blassgrünen Flechtenflecken. Unten rechts, am Fuß eines Findlings, steht in rotbrauner Farbe die Signatur „Andreescu“.
Wann das Bild entstand, lässt sich nicht genau sagen. Man ordnet es sowohl den Jahren in Buzău als auch der französischen Zeit zu, und die Malweise erinnert an die Lehren von Fontainebleau. Von 1872 bis 1878 unterrichtete Andreescu in Buzău Zeichnen und Schönschreiben und malte als Autodidakt Landschaften. Ende 1878 ging er mit einem Stipendium nach Paris, studierte an der Académie Julian und arbeitete danach in Barbizon am Rand des Waldes von Fontainebleau, neben Grigorescu. Grigorescu malte damals sein Bildnis „Andreescu in Barbizon“, und auch dieses Bildnis ist im Museum.
1881 hing sein „Winter in Barbizon“ im Pariser Salon. 1882 fand in Bukarest seine einzige Einzelausstellung zu Lebzeiten statt, mit etwa 60 Bildern, und am 22. Oktober desselben Jahres starb er mit 32 Jahren an Tuberkulose. In Rumänien stellt man ihn neben Grigorescu und Luchian unter die Begründer der neuen rumänischen Malerei. 2020 zeigte das Museum seine „Pappeln am Dorfrand“ unter 47 Gemälden, die im Dezember 1989 von Kugeln getroffen und von den Restauratoren des Museums wiederhergestellt worden waren.
04. Der Palast unter Beschuss
Die letzten beiden Werke führen uns zum Museumsgebäude selbst zurück. Im Dezember 1989 hörte der ehemalige Königspalast auf, bloß der Ort zu sein, an dem die Sammlung aufbewahrt wurde, und geriet selbst mitten in die Ereignisse.
14. Safta, die Blumenverkäuferin — Ștefan Luchian, um 1900
Am Abend des 22. Dezember 1989 begann auf dem Platz zwischen dem ehemaligen Gebäude des Zentralkomitees und dem Palast, in dem das Museum untergebracht war, eine Schießerei. In jener Nacht brannte die Restaurierungswerkstatt des Museums für Staffeleimalerei aus, während Mitarbeiter und Freiwillige, unter ihnen die Kunsthistorikerin Dorana Coșoveanu und die achtzehnjährige Miriam Țarălungă, Gemälde in den inneren Treppenhäusern versteckten. Später zählte das Museum 30 verlorene Gemälde, 17 europäische und 13 rumänische.
Ștefan Luchians „Safta, die Blumenverkäuferin“ hing in der Dauerausstellung und wurde von zwei Kugeln getroffen, beide von vorn. Die eine durchschlug die Brust der Frau am Schlüsselbein, die andere riss ein großes, ausgefranstes Loch in die dunkle Jacke über dem Herzen. Luchian malte Safta, die das staatliche Denkmalregister als junge Roma-Frau bezeichnet, um 1900, vor der Krankheit, die ihn später lähmte. Sie steht da in einem dunkelroten, tief in die Stirn gezogenen Kopftuch, in einer dunklen Jacke, die ihr von einer Schulter rutscht, und in einer weißen Bluse mit tiefem Ausschnitt, die in dickem, reliefartigem Farbauftrag gemalt ist, und blickt aus den Augenwinkeln nach rechts, am Betrachter vorbei. Hinter ihr liegt ein warmer ockerfarbener Grund, in zerrissenen Strichen aufgetragen wie Putz.
Mitarbeiter des Museums erinnerten sich, dass auf manche Frauenfiguren gezielt geschossen wurde, in den Akten der Staatsanwaltschaft finden sich allerdings auch Aussagen über wahlloses Schießen. Wie es sich tatsächlich verhielt, lässt sich heute nicht mehr feststellen.
Die Restaurierung der beschossenen Gemälde begann im Januar 1990 in der Werkstatt des Museums. 2020 machten die Restauratorin und Kuratorin Sorina Gheorghiță und der Werkstattleiter Ioan Sfrijan die „Safta“ zum Plakatmotiv der Ausstellung „Labor II. 1989“ über die Restaurierung der beschossenen Bilder: Das Plakat zeigt das restaurierte Gesicht und die Brust, in kleinen Einschüben daneben die beiden Einschusslöcher.
15. Ikonostase des Klosters Cotroceni, 1682
Nach dem Erdbeben vom 4. März 1977 brachten Mitarbeiter des Museums die Ikonostase und weitere Ausstattung aus der Kirche des Klosters Cotroceni fort, größtenteils Gaben des Klostergründers. Sieben Jahre später, 1984, wurde die Kirche auf Befehl Ceaușescus abgerissen, damit der Palast Cotroceni zur Residenz werden konnte. Die Ikonostase stand zu diesem Zeitpunkt schon nicht mehr in ihr.
Die Ikonostase gab der walachische Fürst Șerban Cantacuzino für die Kirche des von ihm gegründeten Klosters Cotroceni in Auftrag, die 1682 vollendet wurde. Das Schnitzwerk schuf eine örtliche Werkstatt, die Ikonen stammen von dem Maler Konstantinos, wahrscheinlich demselben, der ein Jahrzehnt später die Ausmalung des Klosters Hurezi leitete. Über den Königstüren setzten die Schnitzer einen liegenden Jesse, aus dem eine vergoldete Weinranke wächst und sich über die ganze geschnitzte Wand ausbreitet. So stellten sie den Stammbaum Christi aus dem Haus Davids dar. Konstantinos malte die Ikonen in harten Zusammenklängen von Rot, Blau und Grün auf Goldgrund.
Vor dem Abriss gelang es dem Architekten Camil Roguski, Steine, Säulen und Fresken der Kirche zu retten und ins Kloster Cernica bringen zu lassen. Unter den geretteten Fragmenten waren auch die Stifterbildnisse von Pârvu Mutu, demselben Maler, dessen Selbstbildnis aus Bordești wir schon gesehen haben.
Nach Aussage von Museumsmitarbeitern trafen im Dezember 1989 auch Kugeln die Ikonostase, wo genau, hat allerdings niemand festgehalten. Die Restaurierung wurde 2002 abgeschlossen, und innerhalb eines Vierteljahrhunderts wurde die Ikonostase dreimal ab- und wieder aufgebaut, 1977, nach 1989 und 2002.
2009 beschloss die Regierung, die Ikonostase und rund 140 weitere Gegenstände aus Cotroceni, die im Museum aufbewahrt wurden, der Präsidialverwaltung für die wiederaufgebaute Kirche zu übergeben. Restauratoren und Kustoden des Museums protestierten, weil sie einen weiteren Abbau für eine Gefahr für die Ikonostase und das Raumklima der neuen Kirche für ungeeignet hielten. Die übrige Ausstattung kehrte nach Cotroceni zurück und ist dort seit Oktober 2014 ausgestellt.
In der wiederaufgebauten Kirche von Cotroceni steht heute eine Kopie. Das Original ist hiergeblieben, im ehemaligen Königspalast. Im Lauf mehrerer Jahrhunderte wurden Werke dieses Museums von Wänden abgenommen, zerschnitten und neu zusammengenäht, gekauft, testamentarisch vermacht, nach einem Erdbeben gerettet und nach Schüssen restauriert. Deshalb läuft hier neben der Kunstgeschichte fast immer eine zweite Geschichte mit, nämlich die, wie ein Werk genau vor unsere Augen gelangt ist.
Über die Liste hinaus
Diese Liste entstand um Werke, bei denen auch der Weg in den Palast eine Geschichte ist, und Tonitza und Andreescu sind zwei bewusste Ausnahmen. Jenseits der Liste gibt es noch vieles, wofür sich ein Besuch lohnt. In der Galerie der altrumänischen Kunst sollte man den Epitaphios aus dem Kloster Cozia von 1395–1396 suchen und das Vortragekreuz, das Dosoftei aus Putna 1561 schuf. In der europäischen Galerie hängen zwei weitere El Grecos, die „Vermählung Mariä“ und der „Heilige Mauritius“, dazu Rubens’ „Porträt der Giovanna Spinola Pavese“. In der rumänischen Galerie lohnen Luchians „Anemonen“, Grigorescus „Mädchen, am Tor spinnend“ und Theodor Palladys „Blumen am Fenster. Place Dauphine“ einen Blick.
