Die Staatliche Zeichenschule wurde am 14. Oktober 1896 in Sofia eröffnet. Bis dahin hatten bulgarische Künstler im Ausland studiert, in Moskau und Sankt Petersburg, in Wien, München und Florenz. Den Gesetzentwurf für die Schule arbeiteten der Minister für Volksbildung Konstantin Velichkov, der Literaturwissenschaftler Iwan Schischmanow und zwei Maler aus, der Tscheche Ivan Mrkvička und der Bulgare Anton Mitov, und erster Direktor wurde Mrkvička. Bis 1878 hatte Bulgarien keinen eigenen Staat, und so eröffnete das Land seine Malschule weniger als 20 Jahre nach der Befreiung.
Wir haben 15 Werke ausgewählt, an denen sich der Weg der bulgarischen Malerei von der Ikone bis zu einer eigenen Schule verfolgen lässt. Gebahnt haben ihn die Kirche, eine Ikonenmalerfamilie aus Samokow, ein Fürst, ein Minister, Lehrer, die man aus den böhmischen Ländern holte, und schließlich die ersten Maler, die im eigenen Land ausgebildet worden waren.
Fast alle diese Werke gehören zur Dauerausstellung im Kvadrat 500. Das Gebäude entstand in den 1880er-Jahren für die Staatsdruckerei, später war dort eine technische Schule untergebracht, und 2015 wurde es als Hauptstandort der Galerie eröffnet. Wir beginnen mit zwei Ikonen aus der Krypta der Alexander-Newski-Kathedrale, wo seit 1965 eine Zweigstelle der Galerie besteht, das Museum für christliche Kunst, und enden mit einem Aquarell, das Iwan Milew 1926 malte.
1. Der heilige Georg / Die heiligen Gerontius und Polychronia, doppelseitige Ikone
Diese Ikone wurde auf beiden Seiten bemalt, weil man sie aus der Kirche trug und in Prozessionen mitführte, und die Gläubigen sollten sie von beiden Seiten sehen können. Auf der einen Seite ist der heilige Georg dargestellt, auf der anderen seine Eltern, Gerontius und Polychronia. Georgs Eltern wurden in der Ikonenmalerei selten abgebildet. Nach seiner Vita war Gerontius ein Soldat aus Kappadokien und ein Heide, während Polychronia, eine Christin aus Lydda, den Sohn in ihrem Glauben erzog.
Gemalt wurde die Ikone Ende des 13. Jahrhunderts in Nessebar, einem byzantinischen Hafen am Schwarzen Meer, der in jenen Jahren mehrmals zwischen Byzanz und Bulgarien den Besitzer wechselte. Die Namen der Maler sind nicht überliefert. Ihre Malweise bringt man mit Konstantinopel in Verbindung, und eine Studie sieht auch Bezüge zu Thessaloniki. Sie arbeiteten in Tempera auf Leinwand, die auf eine Holztafel geklebt war.
Die beiden Seiten sind in unterschiedlichem Zustand auf uns gekommen. Die Seite mit Georg wurde im 16.–17. Jahrhundert übermalt, und der Heilige gehört dort größtenteils dieser späteren Schicht an, die über der Malerei des 13. Jahrhunderts liegt. Georg ist als Halbfigur vor Goldgrund gemalt, in rotem Mantel über blauer Rüstung, mit der Lanze in der rechten und dem Schwert in der linken Hand, und hinter seiner Schulter ist ein Schild zu sehen. Auf der Seite mit den Eltern ist keine spätere Übermalung festgestellt worden, und hier ist die Malerei des späten 13. Jahrhunderts besser erhalten. Die Forschung hebt die Gesichter auf dieser Seite hervor, vor allem das des Gerontius, das in feinen Übergängen von Licht zu Schatten modelliert ist.
Wahrscheinlich war die Ikone die Patronatsikone einer der beiden Georgskirchen von Nessebar. Die Galerie nennt in ihrer Beschriftung die Kirche des Alten heiligen Georg, die man auch die Große nannte, der Text einer Moskauer Ausstellung von 2008 dagegen die Kirche des Kleinen heiligen Georg. Beide Kirchen gibt es nicht mehr. Die Alte, die einer Inschrift zufolge 1704 auf den früheren Fundamenten neu errichtet worden war, wurde in den sozialistischen Jahren abgetragen, als man Nessebar nach einem neuen Plan bebaute, und der Kunsthistoriker Asen Wassiliew konnte sie vor dem Abriss gerade noch vermessen.
2. Die Ikone von Poganovo
Unten auf der Vorderseite, zwischen den beiden Figuren, steht in roten griechischen Buchstaben, dass die Ikone von der „in Christus Gott getreuen Basilissa“ gestiftet wurde, also von einer Herrscherin. Der Titel ist erhalten, der Name dagegen verloren, und man ergänzt ihn als Helena. Zwei Helenen kommen infrage, und die Historiker streiten bis heute darüber, welche von ihnen die Ikone in Auftrag gab.
André Grabar und später Bissera Pentcheva lasen die Inschrift als den Namen der Helena Dragaš, einer byzantinischen Kaiserin. Ihr Vater Konstantin Dragaš, der Herr dieser Gegend, fiel 1395 in der Schlacht von Rovine, und nach dieser Lesart entstand die Ikone um 1395 zu seinem Gedenken. Der serbische Kunsthistoriker Gojko Subotić und die Forscher, die ihm folgen, nennen eine andere Helena, Jelena aus dem Geschlecht der Mrnjavčević. Sie war die Witwe des Despoten Uglješa, der 1371 in der Schlacht an der Maritza gefallen war, und trat später unter dem Namen Jefimija ins Kloster ein. Nach dieser Lesart wurde die Ikone nach 1371 gemalt, höchstwahrscheinlich in Thessaloniki.
Auf der Vorderseite stehen die Gottesmutter und der Evangelist Johannes einander in ganzer Figur vor Goldgrund gegenüber. Die Gottesmutter, die hier Kataphyge heißt, also Zuflucht, steht in der Haltung, in der man sie in Kreuzigungsszenen neben dem Kreuz malt, nur ist auf der Ikone kein Kreuz, und ihren Kopf hat sie trauernd geneigt. Johannes ist als Greis dargestellt, als Verfasser der Apokalypse, obwohl man ihn unter dem Kreuz gewöhnlich als Jüngling malt.
Auf der Rückseite steht die Beischrift „Das Wunder von Latomos“. Der jugendliche Christus Emmanuel in goldenem Chiton sitzt auf einem Regenbogen in einer Mandorla aus sieben blauen Ringen, und an seinen Händen und Füßen sind die Wundmale zu sehen. Unter ihm entspringen einem Hügel die vier Paradiesflüsse, im Wasser schwimmen sieben Fische, der Prophet Ezechiel steht mit beiden erhobenen Armen da, und der Prophet Habakuk sitzt auf den Felsen, das Kinn in die Hand gestützt. In der byzantinischen Kunst kennt man diese Komposition dreimal, auf einem Mosaik des 5.–6. Jahrhunderts in der Kirche Hosios David in Thessaloniki, in einer Wandmalerei des 12. Jahrhunderts im Beinhaus des Klosters Batschkowo und auf dieser Ikone.
Aufbewahrt wurde die Ikone in der Kirche des Klosters des heiligen Johannes des Theologen in Poganovo, in der Schlucht der Jerma, auf dem Gebiet des heutigen Serbien. Während des Ersten Weltkriegs oder kurz danach brachte man sie ins Nationalmuseum nach Sofia, offiziell zur Restaurierung, und ins Kloster kehrte sie nie zurück. Sie gehört dem Nationalen Archäologischen Institut mit Museum der Bulgarischen Akademie der Wissenschaften, dem Nachfolger jenes Nationalmuseums, und die Galerie zeigte sie viele Jahre lang als Leihgabe des Instituts in ihrem Museum in der Krypta.
3. Selbstbildnis — Sachari Sograf
Der Ikonenmaler Sachari Sograf aus Samokow schrieb 1838 an seinen Lehrer Neofit Rilski, einen Mönch und Pädagogen, bei dem er seit 1827 lernte, er wolle an der Akademie der Künste in Sankt Petersburg studieren. Statt nach Petersburg zu gehen, nahm er 1841 in Plowdiw Malunterricht bei zwei französischen Meistern und schrieb auch darüber an Neofit. Ausgebildet worden war er dazu, Ikonen in Tempera auf Holztafeln und Fresken auf Wände zu malen, und die Ölmalerei auf Leinwand eignete er sich gerade in diesen Jahren an.
1838 malte er in Öl ein Bildnis Neofit Rilskis selbst, sein erstes Ölporträt, und um 1840 das Selbstbildnis. Das Selbstbildnis ist nicht datiert, und das Jahr ist nur ungefähr angesetzt. 1840 malte Sachari die Nikolauskirche im Kloster Batschkowo aus und stellte sich dort neben den Äbten dar, später malte er sich auch an die Wände des Klosters Trojan und des Verklärungsklosters, und unter all diesen Selbstdarstellungen ist das Staffeleibild das einzige. Darauf ist Sachari als Halbfigur zu sehen, mit hoher schwarzer Mütze und in schwarzer Kleidung mit hochgestelltem Kragen, einen Pinsel in der rechten Hand. Die linke Hand hat er auf die Tischkante gelegt, den Hintergrund ließ er gleichmäßig braun, und auf seinen Beruf verweist allein der Pinsel. Bulgarische Kunsthistoriker sehen darin, dass ein Ikonenmaler sein eigenes Gesicht malt und signiert, einen Bruch mit der mittelalterlichen Anonymität seines Handwerks.
Die Leinwand blieb bis 1939 bei den Erben des Malers. In diesem Jahr kaufte die Galerie sie zusammen mit Sacharis grafischem Nachlass und zahlte dafür, wie die bulgarische Presse schrieb, mehr als für jedes andere Gemälde ihrer Sammlung. Der Nachlass umfasst etwa 400 Zeichnungen. Als man sie 2010 zum 200. Geburtstag des Künstlers sichtete, wurden rund 200 sicher Sachari zugeschrieben und die übrigen 200 seinem Vater Christo Dimitrow.
4. Porträt von Hristiyania Zografska — Sachari Sograf
Die Liebesgeschichte, die man sich über dieses Bildnis erzählt, stammt aus der Literatur, und ein Dokument, das sie belegen würde, hat bis heute niemand vorgelegt. Ihre wichtigste Quelle, Pawel Spassows Buch „Die sündige Liebe des Ikonenmalers Sachari“, erschien 1969, und nach diesem Stoff entstanden später ein Monodrama, ein Schauspiel und eine Oper.
Der Legende nach liebte Sachari Hristiyania, die Frau seines älteren Bruders Dimitar. Im Frühjahr 1853 kam der Typhus nach Samokow. Hristiyania erkrankte und wurde im Haus eingeschlossen, Sachari aber ging trotz der Gefahr zu ihr und küsste sie, so erzählt es eine Fassung, zum Abschied. Hristiyania starb am 7. Mai, Sachari steckte sich an und starb am 14. Juni desselben Jahres.
Das Bildnis malte Sachari nach der heutigen Datierung der Galerie um 1844 (ältere Literatur nennt 1840), und man nennt es das erste eigenständige Frauenbildnis der neueren bulgarischen Kunst. Hristiyania ist als Halbfigur dargestellt, allein, mit ruhigem Gesicht. Sie trägt ein rosarotes Kleid und eine grüne, pelzgefütterte Jacke mit langen Ärmeln, die mit einer Borte aus Blumenstickerei eingefasst ist, und auf dem Kopf einen hohen Kopfputz mit gestickten Blumen und einer Brosche. Um den Hals liegen mehrere Reihen Goldmünzen mit einer großen Medaille in der Mitte, Perlenschnüre und ein kleines Kreuz, in den Ohren hat sie Ohrringe mit grünen Steinen und am Finger einen Ring.
Hristiyania war die Tochter von Kosto, einem reichen Viehhändler aus Samokow und Tschorbadschi, wie man die wohlhabenden Gemeindeältesten nannte. Dimitar heiratete sie 1822, und im Dezember 1823 wurde ihr Sohn Safir geboren. Der Vater trug die Geburt in seine Hermeneia ein, das handschriftliche Malerhandbuch, nach dem die Werkstatt arbeitete. Safir studierte in Russland und wurde als Stanislav Dospevski bekannt.
5. Bildnis der Mariola Dospevska — Stanislav Dospevski
Mariolas Vater Boschko war Goldschmied und ein angesehener Mann in Tatar-Pasardschik, dem heutigen Pasardschik, wo sie 1837 zur Welt kam. Ende der 1850er-Jahre, nach einigen Angaben 1857, nach anderen 1858, heiratete sie den Maler Stanislav Dospevski, und er ließ sich in ihrer Stadt nieder. 1869 malte er ihr Bildnis.
Dospevski war der älteste Sohn der Hristiyania Zografska und ein Neffe Sachari Sografs. Getauft wurde er auf den Namen Safir, und seinen Familiennamen nahm er nach dem Dorf Dospej bei Samokow an, aus dem sein Großvater stammte. Von 1851 bis 1853 studierte er an der Moskauer Schule für Malerei und Bildhauerei, danach bis 1856 an der Akademie der Künste in Sankt Petersburg, und gewöhnlich nennt man ihn den ersten bulgarischen Maler mit akademischer Ausbildung.
Das Bildnis seiner Frau malte er 11 oder 12 Jahre nach der Hochzeit in Öl auf Leinwand. Mariola sitzt vor einem gleichmäßig grauen Grund, in einem braunen Kleid mit weißem Spitzenkragen und weißen Knöpfen, im Ohr trägt sie einen goldenen Ohrring, und in der Hand hält sie eine lange goldene Kette, an deren Ende eine Uhr am Gürtel hängt. Unten rechts setzte Dospevski Signatur und Jahreszahl. Die Galerie zählt das Bildnis zu den besten Werken jener Maler der Bulgarischen Wiedergeburt (so nennt man in Bulgarien die Zeit des nationalen Aufbruchs vor der Befreiung), die in Russland, Italien und Deutschland akademisch ausgebildet worden waren. Wenige Monate nach dem Bildnis, am 2. Februar 1870, gründete Mariola den ersten Frauenverein von Pasardschik, „Prosweta“, und wurde seine erste Vorsitzende.
Im August 1877, während des Russisch-Türkischen Krieges, verhafteten die osmanischen Behörden Dospevski in Pasardschik unter dem Verdacht, für die Russen zu spionieren. Man hielt ihn in Plowdiw fest und brachte ihn dann nach Konstantinopel in das Gefängnis Mehterhane, wo er am 6. Januar 1878 starb, zwei Monate vor dem Vorfrieden von San Stefano vom 3. März, mit dem der bulgarische Staat entstand, für den er gekämpft hatte. Begraben wurde er im Hof der bulgarischen Stephanskirche in Konstantinopel.
6. Khan Asparuch und sein Gefolge ziehen zur Donau — Nikolai Pavlovich
Nikolai Pavlovich aus Swischtow an der Donau verbrachte den Winter 1860–1861 in Odessa und verkaufte dort an Bulgaren Lithografien mit Szenen aus der bulgarischen Geschichte, die ersten Lithografien zu solchen Themen, die er 1860 in Belgrad angefertigt hatte. Historienmalerei hatte er an der Münchner Akademie bei Wilhelm von Kaulbach und Karl von Piloty studiert. Unter osmanischer Herrschaft gab es jedoch niemanden, der bulgarische Geschichte in Öl hätte bestellen können, und so verbreitete sie sich in Drucken, die Pavlovich in Odessa, Bukarest, Belgrad und Konstantinopel selbst an Bulgaren verkaufte.
Den „Khan Asparuch“ malte er Ende der 1860er-Jahre in Öl, etwa zehn Jahre vor der Befreiung. 681 führte Asparuch die Bulgaren über die Donau und gründete dort den Staat, mit dem die Bulgaren ihre Geschichte beginnen lassen, und Pavlovich malte den Anfang dieser Geschichte für ein Land, das noch keinen Staat besaß.
Asparuch reitet in der Mitte des Zuges auf einem Rappen. Neben ihm gehen zu Fuß graubärtige Älteste mit Stäben, Krieger mit Helmen und eine Frau mit Kindern, dahinter ziehen Planwagen, und jenseits der Wagen öffnet sich ein weites Tal. Über dem Heer fliegen Engel durch die Wolken, einige mit Schilden und Schwertern, obwohl Asparuchs Bulgaren Heiden waren und erst 864 unter Fürst Boris getauft wurden.
Das Bild zählt man zu den ersten bulgarischen Historienbildern in Öl, obwohl Pavlovich schon seit 1860 historische Lithografien herausgab und seine erste historische Komposition, „Die Begegnung Rainas mit ihren Brüdern in Preslaw“, 1865–1866 schuf.
1911, 17 Jahre nach dem Tod des Malers, kaufte das Ministerium für Volksbildung seiner Familie für das Nationalmuseum 23 Werke ab, Historienbilder und den Großteil der Zeichnungen dazu, und der „Asparuch“ kam aller Wahrscheinlichkeit nach damals in die Sammlung. Das Motiv selbst hatte Pavlovich 1870 gesondert herausgebracht, als große Lithografie mit dem Titel „Asparuch“.
7. Luzifer — Franz von Stuck
Fürst Ferdinand war 30 Jahre alt, und die Großmächte hatten ihn als Herrscher Bulgariens noch nicht anerkannt, als er 1891 nach München reiste, um sich mit Politikern und Bankiers zu treffen. Nach Angaben der Galerie kaufte er auf dieser Reise im Atelier des Münchner Malers Franz von Stuck den „Luzifer“ für die Palastsammlung in Sofia. 1889 hatte Stucks „Wächter des Paradieses“, ein strahlender Engel am Tor des Paradieses, auf der Ausstellung im Münchner Glaspalast eine Goldmedaille erhalten, und den 1890 gemalten „Luzifer“ sieht man gewöhnlich als dunkles Gegenstück zu diesem Engel.
Luzifer sitzt allein und vornübergebeugt auf der fast quadratischen Leinwand und füllt sie beinahe ganz aus. Sein Körper ist muskulös und nackt, das Kinn stützt er auf die Hand, und seitlich hängt ein heller Flügel mit bläulichen Reflexen herab. Die Leinwand ist fast schwarz, und am hellsten sind darauf die Augen, weiß und leuchtend, die den Betrachter direkt ansehen. Links brennt im Dunkel eine kleine blaue Flamme.
Die folgende Geschichte kennt man nur von Stuck selbst, der sie gern erzählte. Ferdinand soll sich bei ihm beklagt haben, die Minister hätten sich bekreuzigt, als sie das Bild zum ersten Mal sahen. In bulgarischen Nacherzählungen bekreuzigen sich Priester, wenn sie an der Leinwand vorbeigehen, und Damen fallen in Ohnmacht.
In der Palastsammlung blieb der „Luzifer“ bis zum 25. Dezember 1930, als Ferdinands Sohn, Zar Boris III., ihn dem Nationalmuseum übergab. 1948 ging das Bild in den Bestand der Nationalen Kunstgalerie über, 1985 in die Nationalgalerie für ausländische Kunst und 2015 ins Kvadrat 500.
8. Ein Florentiner — Konstantin Velichkov
Im August 1886 stürzten russlandfreundliche Offiziere den bulgarischen Fürsten Alexander von Battenberg, und die Anführer des Putsches ernannten den Schriftsteller Konstantin Velichkov zum Bildungsminister. Er lehnte das Amt ab. Als Stefan Stambolow, ein Gegner der russischen Partei, die Regierung übernahm, verließ der als Russophiler bekannte Velichkov das Land und lebte Ende der 1880er-Jahre im Exil in Florenz.
Zehn Jahre zuvor, 1876, hatte er in Pasardschik am Aprilaufstand teilgenommen, war zum Tode verurteilt worden und auf Drängen der europäischen Kommission freigekommen, die die Niederschlagung des Aufstands untersuchte. In Florenz begann Velichkov, inzwischen über 30, zum ersten Mal ernsthaft Malerei zu studieren, bei Giuseppe Ciaranfi, einem Historien- und Genremaler, der an der dortigen Akademie der Schönen Künste lehrte, und 1888 malte er „Ein Florentiner“, eine Studienarbeit in Öl auf Leinwand. Ein älterer Florentiner mit runder Brille und schwarzem Käppchen, weißem Halstuch und roter Weste lacht und spielt Gitarre vor einer grünen Tapete mit Blumenmuster. Das Modell ist ganz in sein Gitarrenspiel vertieft und scheint den Maler vergessen zu haben.
1894, nach Stambolows Rücktritt, kehrte Velichkov zurück und wurde Minister für Volksbildung im Kabinett von Konstantin Stoilow. Den Gesetzentwurf über die Zeichenschule brachte er selbst in die Nationalversammlung ein. Das Ministerium verließ er 1897, und er starb 1907 in Grenoble.
9. Rachenitsa — Ivan Mrkvička
Bei einer Auktion des Hauses „Apollon und Merkur“ im Sofioter Grand Hotel wurde Ende der 2000er-Jahre Ivan Mrkvičkas „Rachenitsa“ für 75.100 Euro verkauft, und damals hieß es, sie sei das teuerste Gemälde, das je in Bulgarien versteigert wurde. Unter den Hammer kam die zweite, fast gleiche Fassung von 1906. Die erste von 1894 befindet sich in der Nationalgalerie, und die Galerie nennt sie das populärste bulgarische Gemälde.
Den Tschechen Mrkvička holte 1881 die Regierung Ostrumeliens, eines autonomen Gebiets im Süden des heutigen Bulgarien, als Zeichenlehrer nach Plowdiw, und der 25-jährige Maler lebte danach 40 Jahre im Land. Ab 1889 wohnte er in Sofia, und dort malte er auch die „Rachenitsa“, zwei Jahre bevor er erster Direktor der Zeichenschule wurde.
Die Rachenitsa, einen schnellen bulgarischen Tanz, tanzen zwei Männer in bäuerlicher Kleidung mitten in einer vollen Dorfschenke bei Sofia, unter einer niedrigen Decke mit dunklen Balken. Der eine, groß, in weißem Hemd und weißer Hose mit rotem Gürtel, tanzt aufrecht. Der andere ist vor ihm in die Hocke gegangen, mit dem Rücken zu uns, und hält ein weißes Tuch über den Kopf. Ringsum sitzen Zuschauer auf Bänken und an Tischen und sehen zu.
Eine Deutung, die in den 2010er-Jahren durch die bulgarische Presse ging und sich allein auf die Ähnlichkeit mit Porträts stützt, sieht in dem Tänzer in Weiß James Bourchier, einen gebürtigen Iren und Balkankorrespondenten der Londoner „Times“. Die Galerie übernimmt diese Deutung. Bourchier kam ab 1888 nach Sofia, ließ sich 1892 dort nieder, war mit Mrkvička befreundet und ging in bäuerlicher Kleidung durch die Stadt.
10. Die Rückkehr vom Markt — Jaroslav Věšín
Jaroslav Věšín kam im Herbst 1897 auf Einladung des Ministers für Volksbildung Konstantin Velichkov nach Sofia, um an der gerade eröffneten Zeichenschule zu unterrichten. Er hatte an der Prager Akademie und in München studiert und ab 1884 viele Jahre lang das slowakische Dorf gemalt, Hochzeiten und Jagden, und diese Bilder druckte die Prager Zeitschrift „Zlatá Praha“, sodass er als bekannter Maler des bäuerlichen Lebens nach Bulgarien kam.
„Die Rückkehr vom Markt“ malte er 1898, ein Jahr nach seiner Ankunft. Auf dem Bild herrscht Winter. Ein Bauer in Schafpelz und Pelzmütze, einen Stock über den Schultern, reitet über ein verschneites Feld und führt vier Pferde mit sich, das letzte trägt einen leeren Packsattel, und hinter dem Feld erheben sich verschneite Berge. Unten links signierte der Tscheche Věšín in kyrillischer Schrift. Das Bild gehört zu seinen Marktbildern von 1898–1899, zu denen auch der große „Pferdemarkt in Sofia“ und „Vor dem Markt“ zählen. Seine bulgarischen Biografen schreiben, auf die Märkte hätten ihn die malerischen Typen und Szenen gelockt.
An der Schule unterrichtete Věšín bis 1904, und zu seinen Schülern gehörte Nikola Petrov, dessen Bild „Die St.-Sophien-Kirche“ ebenfalls in dieser Liste steht. Nach 1904 wurde er Maler beim Kriegsministerium, in einer Stellung, die auf Vorschlag von Fürst Ferdinand für ihn geschaffen worden war, und malte offizielle Porträts und Manöver. Im Balkankrieg 1912–1913 war er im Rang eines Obersten der Einzige, der im Hauptquartier als „Kriegsmaler“ geführt wurde.
11. Traubenmarkt in Euxinograd bei Warna — Anton Mitov
Der Sommerpalast des Fürsten bei Warna hieß Sandrowo, nach dem ersten bulgarischen Fürsten Alexander von Battenberg, den seine Vertrauten Sandro nannten. 1893 benannte Ferdinand ihn in Euxinograd um, nach dem Pontos Euxeinos, wie die alten Griechen das Schwarze Meer bezeichneten. Zum Palast gehörten große staatliche Weinberge und seit 1891 auch ein Weinkeller für den fürstlichen Hof. Ein Jahr nach der Umbenennung malte Anton Mitov den „Traubenmarkt in Euxinograd bei Warna“.
Auf Mitovs Bild breitet sich der Markt auf einem offenen Feld unterhalb der Hügel aus. Auf den Karren stehen große Fässer, daneben Körbe mit Trauben, im Vordergrund liegen zwei schwarze Büffel auf der Erde, an einer Pfütze laufen Gänse umher, und zwischen den Karren drängen sich Menschen mit Fes und in Volkstracht.
Mitov unterrichtete seit 1890 Zeichnen am Knabengymnasium in Warna, und die Weinlese um Warna taucht in seinen Bildern von 1893–1894 mehrfach auf. Malerei hatte er in Italien studiert. Seine Biografen erzählen eine Geschichte über diese Reise, die sich nicht überprüfen lässt: Das Reisegeld verdiente er als Telegrafist, und in Florenz wurde er verhaftet, weil er in seinen besten Kleidern, einem Hirtenumhang, dem Jamurluk, und Wickelgamaschen, wie ein einheimischer Räuber aussah. Er studierte an der Florentiner Akademie der Schönen Künste bei Giuseppe Ciaranfi, demselben Lehrer, bei dem später Velichkov lernte, und schloss sie 1885 ab.
1893 gehörte Mitov zu den Gründern der Gesellschaft zur Förderung der Kunst in Bulgarien, der ersten Vereinigung bulgarischer Künstler, und von 1895 bis 1899 gab er zusammen mit Mrkvička „Iskustwo“ heraus, die erste bulgarische Kunstzeitschrift. An der Zeichenschule unterrichtete er als Erster Kunstgeschichte, und 1912–1918 sowie 1924–1927 leitete er die Schule.
12. Ernte in Chepinsko — Ivan Angelov
Das Zeichnen mit Kohle führte Ivan Angelov an der Zeichenschule ein, wo er seit 1900 unterrichtete, und danach lernten mehrere Generationen bulgarischer Künstler auf diese Weise. Angelov selbst hatte in München studiert, zuerst an der Kunstgewerbeschule, dann an der Akademie bei Karl von Piloty, die er 1886 abschloss, und in den folgenden 14 Jahren unterrichtete er Zeichnen an Gymnasien.
Die Ernte malte er von Anfang an, und seine Bilder „Ernte“ und „Schnitterin“ gefielen dem Publikum auf der Ausstellung in Plowdiw 1892. „Ernte in Chepinsko“ malte er 1905. Das Becken von Chepino liegt in den westlichen Rhodopen, beim heutigen Welingrad. Auf dem Bild sind drei Schnitterinnen in einem Feld mit reifem Getreide zu sehen. Die eine, in Rot, hat sich gebückt und schneidet die Ähren, die zweite, rechts, ist im Getreide fast verschwunden, und die dritte hat sich aufgerichtet und trinkt aus einem dunklen Krug. Zu ihren Füßen liegt eine gebundene Garbe, und zwischen den Ähren sieht man Mohnblumen. Die Leinwand ist in die Breite gezogen, und die Galerie beschreibt das Bild als Landschaftspanorama, das auf einen einheitlichen Ton gebracht ist, mit einer genauen, klassisch aufgebauten Komposition.
Im Oktober 2016 wählte die Galerie dieses Bild als eines von vier Werken für blinde und sehbehinderte Besucher aus, und dafür wurden ein Tastrelief und eine Audiobeschreibung auf Bulgarisch und Englisch angefertigt.
13. Die St.-Sophien-Kirche — Nikola Petrov
Die Basilika der heiligen Sophia wurde im 6. Jahrhundert unter Justinian errichtet, und später benannte man die Stadt nach ihr. Im 16. Jahrhundert machten die Osmanen eine Moschee aus ihr, die Erdbeben von 1818 und 1858 beschädigten sie, und 1858 stürzte das Minarett ein und erschlug mehrere Menschen, woraufhin das Gebäude aufgegeben wurde. Ende des 19. Jahrhunderts hatte man darin ein Lager eingerichtet und einen Beobachtungsposten der städtischen Feuerwehr. Diese verlassene Basilika malte Nikola Petrov 1909. Sie steht bei ihm auf kahlem gelbem Brachland am Stadtrand, dahinter ziehen sich rote Dächer und das Grün der Gärten hin, und über allem hängt ein schwerer dunkler Himmel. Die Menschen an ihren Mauern sind winzig.
Petrov wurde 1881 in Widin geboren, trat im September 1898 in die Zeichenschule ein und lernte bei Věšín, erhielt sein Diplom wegen einer Krankheit jedoch erst 1913. Er malte Sofia, die Löwenbrücke, das Nationaltheater, den Banski-Platz, und man nennt ihn den Begründer der bulgarischen Stadtlandschaft. Über seine Sofioter Ansichten schreibt die Galerie, er habe sich darin mit ausdrucksvollen Pinselstrichen einem malerischen Mosaik genähert. Wladimir Dimitrow-Maistora, den man in Bulgarien als den bedeutendsten Maler des Landes verehrt, nannte Petrov den begabtesten von allen und den einzigen Bulgaren, der zum Maler geboren war.
1911 kaufte der Staat dieses Bild, und es wurde das erste seiner Werke in staatlichem Besitz. Petrov starb am 10. Dezember 1916 in Armut an Tuberkulose, mit 35 Jahren. Die Basilika untersuchte im selben Jahr 1911 der Archäologe Bogdan Filow, der sich für ihre Wiederherstellung einsetzte, ab 1926 verlangte der Kirchenvorstand die vollständige Wiederherstellung des Gebäudes, und die Restaurierung leitete der Architekt Raschenow.
14. Dekorative Landschaft — Nikolay Raynov
Die Gesellschaft „Rodno Iskustwo“, „Heimische Kunst“, wurde 1919 in Sofia gegründet, und in ihr Programm schrieb man die Aufgabe, der bulgarischen Kunst einen nationalen Charakter zu geben. Zu den Gründern gehörte Nikolay Raynov, den das bulgarische Publikum vor allem als Schriftsteller kannte, als Verfasser von Märchen und symbolistischer Prosa, und als Theosophen.
Um 1910 studierte er dekorative Kunst an der Staatlichen Kunstgewerbeschule in Sofia, wie die Zeichenschule seit 1909 hieß, bei Charalampi Tatschew und Stefan Badschow, und wurde einer der ersten ausgebildeten Dekorationskünstler Bulgariens. Das Ornament, sagte er, sei für die bildende Kunst dasselbe wie die Sprache für die Literatur. 1925 erschien sein Buch „Ornament und Buchstabe in den slawischen Handschriften der Nationalbibliothek in Plowdiw“, für das er Kopfleisten, Initialen und Ornamente aus mittelalterlichen Handschriften selbst abgezeichnet hatte.
Die „Dekorative Landschaft“ entstand in denselben 1920er-Jahren, in Tempera und Tusche auf einem Blatt Papier von der Größe eines aufgeschlagenen Buches. Seine dekorativen Landschaften dieser Jahre baute Raynov aus flächigen Feldern gleichmäßiger Farbe und klaren Linien auf, und die Einzelheiten der Natur verwandelte er in Ornament. Hier liegt ein brauner See zwischen runden, schwarz umrandeten Felsen, die Wolken am blauen Himmel gleichen gestickten Kringeln, rechts wächst ein Baum aus übereinandergesetzten Blüten empor, und links fliegt ein Märchenvogel. Das ganze Blatt ist mit feinen Goldpunkten übersät.
Von 1925 bis 1927 studierte er in Paris Kunstgeschichte und lehrte sie danach bis 1950 an der Kunstakademie in Sofia.
15. Unsere Mütter tragen immer Schwarz — Iwan Milew
Fünf Frauen mit langen schwarzen Schleiern über dem Kopf gehen hintereinander an einem dunklen Bretterzaun entlang, alle im Profil. Zwei tragen etwas Rundes in den Händen, eine Schüssel oder ein Brot, eine hat den Kopf zum Himmel zurückgeworfen, und die letzte ist vornübergebeugt und bedeckt das Gesicht mit der Hand. Unter dem Schwarz treten Streifen von Gelb, Lila und Braun hervor. Iwan Milew malte dieses Aquarell 1926, und die Galerie gibt ihm einen zweiten Titel, „Saduschniza“ (so heißen in Bulgarien die Totengedenktage, an denen man Speisen auf den Friedhof bringt). Milew hat außerdem ein eigenes Werk mit dem Titel „Saduschniza“ geschaffen, und das ist ein anderes Bild.
Entstanden ist das Aquarell nach drei Kriegen, den beiden Balkankriegen und dem Ersten Weltkrieg, und im letzten kämpfte Milew selbst. 1916 wurde der 19-Jährige aus Kasanlak eingezogen und als Maler in den Stab einer Luftschiffereinheit geschickt, und 1917 war er Soldat an der rumänischen Front.
Von 1920 bis 1925 studierte er an der Kunstakademie in Sofia in der dekorativen Abteilung bei Stefan Badschow, bei dem zuvor auch Raynov gelernt hatte, und stattete Aufführungen am Nationaltheater aus. Im Dezember 1926 erkrankte er und starb am 25. Januar 1927, wenige Wochen vor seinem 30. Geburtstag. Drei Jahre vor seinem Tod, 1923, notierte Milew in seinem Tagebuch die Frage „Gibt es in Bulgarien Kunst?“, die er an die Gesellschaft „Rodno Iskustwo“ richtete, und im Frühjahr 1926 trat er ihr selbst bei.
Zwischen der Ikone aus Nessebar, deren Maler keine Namen hinterließen, und Milews Aquarell liegen mehr als 600 Jahre, und der Weg von der Ikonenwerkstatt zu einer eigenen Schule nahm davon weniger als ein Jahrhundert ein. Seine Frage schrieb Milew als Student der Kunstakademie in Sofia nieder, zu der Mrkvičkas Zeichenschule bis dahin herangewachsen war. Eine Antwort steht nicht im Tagebuch. Man kann sie sich in den Sälen der Galerie zusammensetzen, vom Selbstbildnis des Ikonenmalers, der sein eigenes Gesicht malte und signierte, bis zu den Werken derer, die schon im eigenen Land ausgebildet wurden.
Was es sonst noch zu sehen gibt
Wir sind einer einzigen Linie gefolgt, von der Ikone zur eigenen Schule, und viele starke Bilder der Galerie haben es nicht in die Liste geschafft. Am reichsten ist in der Sammlung Wladimir Dimitrow-Maistora vertreten, und mit ihm lohnt es sich, einen zweiten Besuch zu beginnen. Von Nikolai Pavlovich besitzt die Galerie außerdem „Die Vereinigung Nord- und Südbulgariens“ von 1886, und im grafischen Nachlass Sachari Sografs liegen seine Zeichnungen und die westeuropäischen Stiche, die er gesammelt hatte. In die 1985 gegründete Auslandsabteilung gelangten japanische Holzschnitte, indische Miniaturen und asiatische Skulptur, und zur europäischen Malerei dort gehören Cézannes „Landschaft in der Auvergne“ und Delacroix’ „Der Tod Laras“.
